16/6/19

Camille Howard Boogie Woogie de la costa oeste.


























Camille Howard fue una pianista, cantante y compositora de Boogie Woogie y R&B que destacó mientras formaba parte de los Solid Senders de Roy Milton, con los que también realizó grabaciones bajo su propio nombre.
Nació en la localidad de Galveston, en Texas, y aunque su nombre era Deasy Browning creció usando el de Camille Agnes Browning; aprendió a tocar el piano en su adolescencia y a sus 21 años formaba parte de un grupo local, el Cotton Tavern Trio, con el que actuaba por la zona de Galveston.




En la época de la segunda guerra mundial, dentro de los Estados Unidos de América era muy común los movimientos migratorios hacia la costa Oeste, especialmente desde Texas hacia California, Camille emprendió dicho viaje en busca de fortuna al principio de la década de los 40 y pasó a formar parte del trío de Roy Milton en 1943; Milton consigue un par de años después una sesión de grabación junto al conocido Lionel Hampton, posteriormente decide ampliar el trío a sexteto y firma un contrato con el sello Juke Box de Art Rupe, que es la antesala de Specialty Records, allí consiguen su primer éxito, no solamente en las listas de R&B, también en las listas populares, lo que significa superar las barreras raciales en 1946 con el tema "R.M. Blues", algo que lograrían en varías ocasiones.

Simultáneamente, Camille grababa con los Solid Senders para el sello Pan-American, teniendo su primer éxito en 1947 con el tema “Thrill me”, lo que hace que Art Rupe decida promocionarla como solista, en 1948 vende casi un cuarto de millón de copias del primer single grabado bajo su nombre, “X-Temporaneous Boogie” un tema instrumental que deja constancia de su virtuosismo como pianista.





Camille y Roy, que estaban casados en secreto, siguieron trabajando juntos; ella con los Solid Senders y él en el trío de Camille, pero además acompañaron a algunos artistas como Jimmy Witherspoon, Joe Liggins o Little Willie Littlefield.

Camille, además de grabar para otros artistas publicó 14 singles más bajo su propio nombre para el sello Specialty entre 1948 y 1952, de ellos los más exitosos fueron "You Don't Love Me" (1948), "Fiesta in Old Mexico" (1949) y "Money Blues (If You Ain't Got Money, I Ain't Got No Use For You)" (1951).

En 1953 firmó un contrato con el sello Federal pero la moda del Rock and Roll hizo que decayese el interés por las figuras del R&B, así que fue una época con poca trascendencia que derivó en un nuevo contrato en 1956 para Vee-Jay que le llevó a girar con Roy Brown, Little Willie John, The 5 Royales y Joe Tex.

Poco después se retiró del negocio musical y se aferró a unas fuertes creencias religiosas que le llevaron a no hablar de su periodo musical.

Falleció en L.A. en 1993.

 

Es relativamente fácil de encontrar la recopilación "Rock me daddy" de Specialty publicada por Ace Records en 1993, al menos el primer volumen, que comercializa Bear Records.

2/6/19

Bonnie Raitt, la incombustible hija del blues.


Durante muchos años fue reconocida como una gran cantante y guitarrista pero dicho reconocimiento no fue respaldado comercialmente hasta la década entre finales de los 80 y finales de los 90. Activista, luchadora y una de las guitarristas referentes cuando hablamos de música americana, especialmente blues.

Nacida en 1949, en la localidad de Burbank,California, se podría decir que la música estaba en su genética, pues su madre Marjorie Haydock era pianista y su padre, John Raitt era un célebre cantante y actor que solía aparecer en varios musicales de Broadway.

Fue educada en Los Ángeles, en un entorno de amor por las artes, tradición religiosa cuáquera y activismo social; A los 8 años le regalaron una guitarra Stella por Navidad, en aquel momento era demasiado pronto para pensar que la música tendría tanto peso en su vida.

A finales de los 60 se mudó al este de Cambridge para estudiar asignaturas de relaciones sociales y estudios africanos en Harvard, a la vez que se sumergía en las actividades culturales y políticas de la ciudad, entre las que se incluía el activismo contra la guerra de Vietnam; en cuanto a la música, escuchar a los 14 años el disco “Blues at Newport 1963”, con figuras como John Lee Hooker, John Hammond, Brownie McGhee & Sonny TerryMississipi John Hurt, entre otros, hacen que se interese por el blues, especialmente por la guitarra y por el slide, por lo que comienza a frecuentar las actuaciones en cafés locales, hasta que 3 años después de haber iniciado sus estudios se dedica a la música a tiempo completo, compartiendo escenario y amistad con algunos de sus ídolos; por ejemplo en verano de 1970 acompaña a  Mississippi Fred McDowell en el Philly Folk Festival, poco después telonea a  John Hammond  en New York, los cazatalentos están al tanto y es Warner Bros. la compañía que conseguirá que firme su primer contrato discográfico.

Su disco de debut, "Bonnie Raitt," publicado en 1971, fue grabado en cuatro pistas para mantener un sonido más espontáneo, con un par de composiciones propias y el resto versiones, entre las que encontramos las conocidas Walking Blues de Robert Johnson o  Since I fell for you de Buddy Johnson y dos de la pionera Sippie Wallace, "Mighty Tight Woman" y “Women be wise”, nos encontramos con un sonido en el que predomina lo acústico, el blues y algún toque folk que en general agradó a la prensa de la época pero no obtuvo una cálida acogida por parte del público.
Idéntica formula y resultados se obtuvieron en el siguiente trabajo “Give it up”.






En el tercer disco “Takin’ my time”, publicado en 1973, el sonido cada vez va enriqueciéndose con nuevos matices, este disco suena más urbano, sin dejar de lado las raíces, aunque en esta ocasión Bonnie no firma ninguna composición; encontraremos por primera vez en su discografía sonidos alejados del blues o el folk, como el calypso o el soul. El broche es una magnífica versión del tema de Randy Newman “Guilty”.

El potencial de Bonnie realmente no es explotado, Warner sigue publicando un disco por año, en 1974 un nuevo disco “Streetlights” esta vez en una línea entre el folk y el rock para adultos, el ir cambiando de productores y de estilos conlleva críticas diversas, pero esa línea es la misma que se utiliza en “Home plate” el LP publicado en 1975, algo de resultado debió dar, pues obtiene mayor atención de la prensa, incluida una portada en la revista Rolling Stone.

El sexto disco llegará en 1976, por fin con un single que tiene repercusión a nivel ventas, con una versión del popular tema de Del Shannon “Runaway”, con éxito o sin él una de las mejores virtudes del disco es que desde el primer corte empieza a sonar esa guitarra enérgica de Bonnie que tanto gusta, aunque solo sea en una pequeña parte del disco, hay una gran parte de folk melódico pero con un gran nivel instrumental y vocal.



Lo malo de tener éxito con un disco es que las expectativas para el siguiente están por las nubes y eso pasó con “The glow”, publicado en 1979, que no se vendió muy bien ni obtuvo buenas críticas, aunque seguía una línea similar a sus trabajos anteriores; ese mismo año estuvo ocupada en su lucha contra las centrales nucleares, el movimiento MUSE (Músicos unidos para energía segura), ayudando a organizar cinco conciertos en el Madison Square Garden junto a otros miembros fundadores como Jackson Browne, Graham  Nash o John Hall; el año siguiente apareció cantando en la película "Urban Cowboy".

En 1982, descontenta con el sonido de sus últimos trabajos, decide que quiere que su disco sea una mezcla entre el sonido de sus inicios y la música que escucha en la actualidad, los sonidos de nuevas bandas inspiradas en música de raíces, como Rockpile, los Blasters o Billy Burnette, y así el disco “Green light” recibe las mejores críticas, no respaldadas por las ventas, lo que crea un importante punto de fricción con Warner Bros que tendrá su punto culminante en 1983, justo un día después de que Bonnie tenga masterizado su siguiente disco “Tongue and groove” es despedida de la compañía, que está haciendo una purga de artistas; de este modo nuestra protagonista se queda con el disco archivado indefinidamente, sin compañía y con serios problemas de adicción al alcohol y otras sustancias, lo que no impidió que siguiese haciendo actuaciones y activismo; participó en grabaciones anti-apartheid, además de en los históricos conciertos para Amnistía Internacional y Farm Aid, también actuó en 1987 en Moscú, en el primer concierto para la paz entre soviéticos y americanos, ella mismo organizó una recaudación contra la Contra nicaragüense.

Si bien Warner Bros. no le facilitó la compra del master de la grabación de “Tongue and groove”, fijando un precio demasiado alto, en torno al medio millón de dolares, un par de años después, mostraron interés en publicar el trabajo, aunque a Bonnie le pareció un movimiento sucio y no estaba de acuerdo, pudo acordar con su antigua compañía en ajustar parte del trabajo final, lo que derivó en el que sería el último larga duración para Warner, publicado en 1987, el disco “Nine Lives”, que supuso un varapalo a nivel crítica y comercial, con un sonido completamente alejado de todos sus anteriores discos y sonando a Nueva ola ochentera.
En 1986 coincidió en un concierto con Stevie Ray Vaughan, primero que daría el texano recién desintoxicado del alcohol y Raitt reconocería posteriormente que fue él quién le ayudó a reconocer y a enfrentarse a sus adicciones.
Junto a K.D. Lang participa como corista de Roy Orbison en el famoso concierto emitido en televisión “Roy Orbison and Friends, A Black and White Night”, para entonces, en 1987, ya ha superado su alcoholismo, pero mientras todo esto sucedía, en algún momento en el tiempo, durante un concierto en L.A. un fan suyo, Prince, le ofrece un contrato para que forme parte de su discográfica Paisley Park Records, ella está de acuerdo pero poco después tiene un accidente deportivo que  le deja postrada dos meses, tiempo que aprovecha para reflexionar acerca de sus próximos movimientos vitales y su carrera; finalmente acabaría ingresando en alcohólicos anónimos no produciéndose la firma del contrato con Prince.
Mientras subsiste haciendo bolos acústicos conoce al músico y productor Don Was, que accede a producirle un nuevo disco; graban unas demos sencillas y llaman a las puertas de varias compañías, obteniendo al final un contrato con Capitol records en 1988, año en el que es cofundadora de the Rhythm and Blues Foundation, organización creada para ayudar a luchar por los royalties, el reconocimiento y las condiciones financieras a las personas pioneras del género musical que movió al mundo unas décadas atrás.
En 1989 el binomio Bonnie & Don publica “Nick of time” disco del año, ganador de 3 premios Grammy, vende cinco millones de copias y escala por todas las listas de popularidad posibles; al éxito de su primer disco sobrio le acompaña otro Grammy por su dueto con John Lee Hooker en el disco de este, pero es que además en el siguiente disco “Luck of the draw” de 1991 el éxito es mayor, vendiendo ocho millones de copias en USA y ganando otros 3 Grammy.


Al parecer la colaboración entre Bonnie Raitt y Don Was había hallado la manera de hacer un éxito detrás de otro, el siguiente disco no sera una excepción; “Longing in Their Hearts” publicado en 1994, doceavo disco en la carrera de nuestra protagonista, también arrasa en ventas gracias a dos singles que funcionan muy bien: “Love Sneakin' Up On You" y “You”, eso si, en estos discos el sonido de raíces aparece en pequeñas dosis, lo que prevalece es el sonido A.O.R. sonido que da gusto cuando se desprovee de él como en el siguiente disco, el directo “Road Tested” en el que cesa su colaboración con Don Was.
En 1995 crea el Bonnie Raitt Guitar Project conjuntamente con la organización sin ánimo de lucro Boys and Girls Clubs of America en más de 200 locales, para tratar de animar a los jóvenes a tocar música

Efectivamente decide que quiere cambiar su sonido y los discos suenan a gloria, independientemente de la repercusión comercial que pudieran tener, tanto “Fundamental” (1998) como “Silver Lining” (2002), dos singles entran en el Top 40 americano este mismo año el paseo de la fama en Hollywood cuenta ya con su estrella, dos años antes es incluida entre las ilustres del Salón de la fama del Rock and Roll de Cleveland.


Después de que Capitol publicase el consabido recopilatorio de su carrera lanza el siguiente trabajo en el 2005, “Souls Alike”, que alcanza el número 20 en las listas Billboard y un año después el DVD de un concierto”Bonnie Raitt and Friends”; el siguiente año participa en el homenaje a Fats Domino lanzado como “Goin' Home: A Tribute to Fats Domino”, no obstante la época anterior y posterior a la grabación de “Souls Alike” es un periodo difícil para ella, fallecen sus padres, su hermano y su mejor amigo, así que después del disco, el correspondiente tour y la gira con Taj Mahal, la BonTaj Roulet que también se hace con fines benéficos, decide tomarse un periodo sabático en el que escuchar nueva música y dedicarse también a implicarse en causas en las que creer, ayuda a crear NukeFree.org, por ejemplo.

En el 2012, tras unos cuantos años sin nuevo disco, poco después de aparecer junto a Alicia Keys en la entrega de los Grammy, rindiendo homenaje a Etta James, lanza el grandísimo disco “Slipstream” que funciona a la perfección tanto para la crítica como para el público, esta vez sin el apoyo de una multinacional, pese a ello logra estar de nuevo en las listas de álbumes más vendidos, algo que no sucedía desde 1994, nuevas generaciones de fans se suman a quienes seguían su música anterior.
En septiembre de este año da soporte a la campaña “30 canciones 30 días” en apoyo al documental, basado en el libro “Half the Sky: Turning Oppression into Opportunity for Women Worldwide” que denuncia la opresión hacia las mujeres en todo el mundo.
El hasta ahora último trabajo de Bonnie es el disco “Dig in deep” lanzado en el año 2016, un buen disco en la línea ascendente que llevan todos sus LPs en el nuevo milenio,  por el camino ha ido colaborando también junto a otros artistas, además de seguir con sus actuaciones en directo y participando activamente en causas como las de la fundación Guacamole, por la energía sostenible y la protección del medio ambiente.





Es la primera mujer a la que Fender le dedicó una guitarra de su línea signature, la Fender Stratocaster Bonnie Raitt se fabricó entre los años 1996 y 2001, ella conserva tres en su colección, con trastes jumbo y pastillas Texas Special.
Generalmente usa bastantes guitarras debido al tema de las afinaciones, sus favoritas para tocar con slide son A (E–A–E–A–C#–E) y G (D–G–D–G– B–D).
Su amplificador favorito es el combo Bad Cat Black Cat 30R y respecto a efectos un  compresor Boss CS-2 y una distorsión Pro Co Rat

14/5/19

Link Wray: El rey del Fuzz

Link Wray















Hace pocos días se cumplirían 90 días del nacimiento de Fred Lincoln Wray Jr., que dejó su mortal cuerpo en el año 2005, pero me gustaría reivindicar su figura que tanto ha inspirado a guitarristas de varias generaciones, con su estilo crudo y directo.
Para ello he repescado un par de artículos que escribí hace unos años para la web de guitarrista.com, retocando algunos líneas y añadiendo contenido.
Llegué a la música de Link Wray en mi adolescencia a través de sus colaboraciones en los discos de Robert Gordon de finales de los 70, solo que una  década después, en nuestro particular revival rockabilly ochentero, casi noventero, por aquella época en TVE tenían costumbre de emitir bastantes conciertos, que grabábamos en vídeos para verlos docenas de veces, y en los conciertos de Popgrama emitieron un concierto de ambos en Bremen en 1978, ver en 1988 esa imagen chulesca de Link, todo de cuero, con su Gibson SG, mascando chicle, de espaldas al público excepto en los solos, era muy cool para un joven aspirante a rockero de pueblo, y una aberración para algunos y algunas compañeras de clase en el instituto. ¡Bendita inspiración!

Atendiendo a todas las fuentes enciclopédicas posibles, Link Wray está considerado como uno de los primeros guitarristas en hacer un uso melódico de los power chords (versiones básicas de un acorde, generalmente compuestas por la primera y quinta notas de una escala mayor) , en su canción mas conocida, Rumble, un instrumental salvaje de 1958, adelantado a su época.



También es uno de los pioneros en el sonido distorsionado de la guitarra, reverenciado por los amantes del Fuzz, al parecer, parte de su sonido original fue producido por unos agujeros en el bafle de su amplificador, que el mismo realizó con un lápiz. El overdrive natural de un amplificador y el feedback, eran recursos ya existentes, pero no eran bienvenidos en las grabaciones, Link Wray era pionero en su uso creativo, formaban parte de su sonido.

Link era originario de Dunn, en Carolina del norte, su madre tenía sangre Shawnee, una tribu india; Ella y su marido, Fred, eran predicadores, ambos junto a Link y sus dos hermanos, Vernon y Doug, vivían en una cabaña, sin puertas ni electricidad, pasando bastante miseria por su estatus económico, pero también por su pertenencia racial. Eran demasiado pobres para tener radio, así que el amor por la música le vino a través de sus vecinos, en concreto de “Hambone”, un hombretón negro que trabajaba en el circo y que tocaba varios instrumentos, cuando Link le vio tocar la guitarra con slide, empezó a amar la música.

1/5/19

Mickey "Guitar" Baker el hombre guitarra del blues y el jazz.



Mickey Baker (15 de octubre de 1925 – 27 de noviembre de 2012), fue uno de esos grandes guitarristas apenas conocido fuera de círculos especializados, sin embargo estuvo implicadísimo en la histórica transición entre el blues y el rock and roll, trabajando con las figuras mas grandes del genero.



Originario de Louisville, en Kentucky, tras una agitada juventud entre orfanatos, problemas y trabajos variados, que finalmente le llevó a New York, decidió convertirse en un músico de jazz a sus 19 años; para ello escogió  la trompeta, pero el presupuesto que tenía era limitado y tuvo que conformarse con una guitarra, que adquirió en una tienda de empeños.

Se matriculó en la escuela de música de New York, aunque el ritmo de aprendizaje le resultaba demasiado lento y reforzó sus estudios, en los años siguientes, estudiando con profesores particulares, pero sobre todo como autodidacta.

Con 24 años y su propio combo jazzie, tratando de sonar como el bebop, de moda en la gran ciudad, buscó fortuna en California, pero no encontró mucha receptividad a su estilo, así que, tras asistir a una actuación del bluesman Pee Wee Crayton -del cual vio un anuncio llamativo en un autobús, donde podía verse un flamante Cadillac dorado- y conversar con él, contempló el blues como una posible salida económica y adaptó su técnica,  empezando a estirar las cuerdas.

En cuanto reunió suficiente dinero volvió a New York, aunque en la gran manzana el blues no era un estilo demasiado considerado, por aquella época estaban de moda los ritmos latinos, por lo que Baker acabó tocando calypso hasta que pudo tocar en una banda de blues.

En el 52, ya estaba colaborando con artistas conocidos de rhythm &  blues, grabó sus primeros singles en solitario para el sello Savoy, debido a su versatilidad, pronto se convirtió en un músico de sesión reputado , grabando para artistas de r&b en los sellos Atlantic, King, Decca, Okeh o Savoy.

Entre las estrellas o futuras estrellas que contaron con la guitarra de Mickey estuvieron Ray Charles, The Drifters, Louis Jordan, Ruth Brown o Big Joe Turner, Mickey participó en muchas de las canciones exitosas de estos sellos.




Durante esta época no paraba de trabajar en el estudio, siguió intentando hacer una carrera en solitario, pero sus temas no cuajaban, hasta que, a mediados de los años 50, formó un dúo junto a una alumna suya de guitarra, Sylvia Robinson, intentando seguir la estela de los populares Les Paul & Mary Ford; el dúo fue conocido por el imaginativo nombre Mickey & Sylvia.

Ambos se conocieron en una sesión en la que se contrató a Mickey para acompañar a Sylvia, fueron 4 canciones que Atlantic publicó en un subsello y que pasaron desapercibidas. 4 años después de esas sesiones, el dúo tuvo un éxito arrollador, con el tema “Love is strange” en el sello RCA, que vendió millones de copias y se convirtió en disco de oro.
La canción era original de Bo Diddley, aunque estaba firmada por la mujer de este en ese momento, para evitar problemas legales con Chess, donde Bo tenía contrato.




No tuvieron ninguna canción más con tanta repercusión, tras una discusión en 1958 lo dejaron, pero el duo funcionó ocasionalmente hasta el 65, con algunas tentativas frustradas de volver a conseguir la misma popularidad, una de ellas lanzada desde su propio sello, Willow. Después de esto, Sylvia formó el sello Sugar Hill Records, uno de los pioneros del hip hop, junto a su marido y un tercer socio.


Después de la ruptura, en 1959, Mickey grabó un LP instrumental para Atlantic Records, The Wildest guitar, donde aporta 4 canciones propias a la vez que da buena cuenta de clásicos standards del jazz como “Night and Day” “Autumn Leaves” o “The Third Man theme”, con una guitarra afilada y cargada de reverberación, un disco curioso.
Mickey siguió trabajando como músico de sesión, aunque finalmente se fue a vivir a Francia- disgustado por el trato a los músicos de jazz y blues en su país natal- donde ya estuvo en 1962 trabajando con algunos conocidos artistas locales así como con algunas estrellas americanas cuando giraban por Europa.
Grabó tres LPs a mediados de los 70 en el sello Black and blue: “The Blues In Me", "Take A Look Inside" y "Up On The Hill" y a finales de la decada un par en Kicking Mule: “Blues and Jazz guitar” y “Jazz Rock guitar”.

Además del inmenso legado musical, una de las obras conocidas entre guitarristas aficionados a su estilo, es su método de guitarra “Complete Course in Jazz Guitar” dirigido a músicos autodidactas; esta publicación fue lanzada en 1955 y actualmente se vende dividido en dos libros, asequibles y recomendables.




Aunque no están las canciones mas conocidas en las que participó, una buena manera de acercarse a su sonido primigenio es en el disco recopilatorio “In the '50s: Hit, Git & Split” publicado por Rev-ola, y que incluye algunas de sus mas furiosas interpretaciones, junto a artistas como Larry Dale, Jack Dupree, Young Jessie o Little Willie John, entre otros.

21/4/19

El afinador de guitarra en todas sus variantes.


Afinador de guitarra



















Afinar la guitarra es uno de los primeros retos que afrontamos con el instrumento, en la actualidad disponemos de muchos tipos de afinador que nos facilitan dicha tarea, repasaremos los tipos de utensilios más habituales para afinar, con sus respectivas ventajas e inconvenientes.

Pito de afinar
 

El pito de afinar.

Este artilugio de tiempos antiguos tiene un funcionamiento bien sencillo, soplas en él y produce un pitido en la nota para la cual está diseñado, es decir que si compraste un silbato afinado en La, producirá un La, a partir de ahí, como sabes que la quinta cuerda de la guitarra es un La, afinarás de oído, por comparación, soplando cuantas veces consideres necesario. El resto de cuerdas las afinas por el método tradicional de comparar unas con otras (quinto traste de la quinta cuerda es igual a la cuarta al aire, etc.). 

 

Diapasón Diapasón.

Otro método tradicional es el diapasón, no el diapasón de la guitarra sino un dispositivo metálico en forma de horquilla que produce un tono al vibrar, generalmente el La, de modo que la afinación se realizaría de oído, por lo que compartiría ventajas e inconvenientes con el pito de afinar, esto es que son sistemas de afinación económicos que te ayudan a desarrollar el oído.




 

 

 

Afinadores electrónicos.

Los afinadores electrónicos captan el sonido de tu guitarra dependiendo del modelo, bien por conexión por cable, por micrófono integrado en el afinador o por vibración. 
La primera distinción importante es entre afinador de guitarra estándar o cromático.

Un afinador estándar suele venir con las notas de la guitarra establecidas, entonces tú seleccionas qué cuerda vas a afinar y el indicador mostrará, mientras pulsas la misma, si está demasiado baja o demasiado alta.

El afinador cromático te mostrará cada intervalo por el que estás pasando al cambiar la tensión de una cuerda, incluyendo sostenidos y bemoles, lo que lo hace muy recomendable si vas a utilizar alguna afinación no convencional.

Además de la funcionalidad podemos encontrar diferencias en cuanto a la presentación física de los afinadores electrónicos:

  • Afinador de sobremesa.Se podría decir que es un formato clásico, suelen funcionar con micrófono -para instrumentos acústicos- y conexión por cable, los hay cromáticos, con metrónomo incorporado y muchos incorporan el sonido de una nota, para poder afinar de oído. Para muchos un modelo obsoleto, para otros fiable y duradero.
Afinador electrónico

  • Afinador de pinza.  Probablemente sea la razón por la cual el afinador de sobremesa sea menos popular.Fácil de transportar, de sujetar en la guitarra y de visualizar; algunos tienen el cabezal flexible, para adaptarlo a diferentes posiciones. Afinan por vibración no por sonido, hablando de vibraciones hay lugares de la pala en los que pueden producir alguna no deseada, es cuestión de probar.

Afinador de pinza
  • Afinador de pedal. Si eres de los que lleva pedalera un pedal afinador es una buena opción, suelen tener una pantalla con buena visualización, mientras afinas silencia el sonido y los zumbidos de tu equipo y en algunos modelos puedes alimentar otros pedales.
 
Afinador de guitarra formato pedal

Tecnología en la afinación.


Pues si, los avances tecnológicos llegan a todo, ¿ cómo han afectado al modo en que afinamos el instrumento?
  • Afinación polifónica. Llegó la posibilidad de ver simultáneamente el estado de afinación de todas tus cuerdas, Tc electronic tiene unos afinadores en formato pedal y pinza que realizan esta tarea; en lo personal me parece interesante, aunque en la práctica debo reconocer que, aparte de la curiosidad, no me supuso un gran cambio.
El afinador de guitarra polifónico.


  • Guitarras que se afinan solas. Pues si, en el 2007 Gibson anunció su Gibson Les Paul Robot, según ellos la primera guitarra en el mundo que se afinaba sola, incorporaba una versión del controvertido sistema de afinación Gforce, aunque ya existían sistemas similares, como el Transperformance, usado por Jimmy Page.  En el año 2019 Gibson ha retirado el sistema Gforce de muchos de sus modelos, no parece ser muy querido por sus fans.


Aplicaciones en todas partes.
Si, en móvil o en el navegador también hay aplicaciones para afinar la guitarra una búsqueda en Google basta para ver las miles de opciones, como recurso desesperado puede servir, pero mucho cuidado con la fiabilidad de las fuentes. 
 
En todo caso el afinador de guitarra en todas sus variantes debe servir para un único propósito, afinar, y para ello con una inversión menor de 20 euros podéis resolver perfectamente el cometido. 


¡Feliz afinación!

3/4/19

Joel Paterson toca los solos de Scotty Moore.

Joel Paterson es un guitarrista que trabaja por la zona de Chicago, devoto de la guitarra, con un sonido clásico de fingerpickin' anda embarcado en varios proyectos, que podéis investigar en su página web https://www.joelpaterson.com/.

En el siguiente vídeo, en menos de cinco minutos Joel toca cada solo que grabó el legendario Scotty Moore junto a Elvis Presley en las sesiones de grabación de Sun Records, así que si os interesa podéis poner a trabajar el ojo -y la oreja-.


1/4/19

Oscar Aleman, la vida con swing.

Oscar Alemán.
















Oscar Marcelo Alemán fue un compositor y guitarrista nacido en Argentina, con un sonido muy similar al del popular Django Reinhardt con quien tenía muchas cosas en común, pero con una dimensión musical mayor, adquirida de la música Argentina y Brasileña.

Nació el 20 de febrero de 1909 en Resistencia (Machagai), en la provincia del Chaco, de padre uruguayo y madre toba (una etnia india originaria del Chaco); ella era pianista y él guitarrista, formaron una familia numerosa, con 7 hijos, se dedicaban a hacer representaciones artísticas en las que el pequeño Oscar destacaba desde pequeño, a los 6 años tenía una movilidad y una elasticidad inusual para su edad; en el espectáculo familiar zapateaba el “malambo”, que es un baile folclórico original del sur -con raíces en la danza africana-

El lugar donde vivían tenía una economía basada en la recogida de algodón; Su padre apenas podía mantener una familia tan numerosa, en 1915 se mudaron a Buenos Aires, donde los pequeños aportaban dinero a la familia trabajando como limpiabotas, vendedores de diarios o abriendo puertas de coches, esperando una propina.

El hermano mayor de Oscar muere de tuberculosis, su padre desesperado decide probar fortuna en Brasil con toda la familia, excepto su esposa y dos hijos menores, que quedan en Buenos Aires. Llevarían una representación de productos (algodón, tabaco, alcohol, etc)

Durante las representaciones del grupo familiar, Oscar se limita a bailar, pero empieza a aprender -mediante el oído y la observación- a tocar la guitarra y el cavaquinho (procedente de Portugal, es un antecesor del ukelele). La venta de productos no funciona, las actuaciones apenas dan para comer y enviar algún peso a Argentina, destinado a la familia que aguarda allí las buenas noticias, que no llegan. Por si fuera poco, una especie de representante local, que es el que hace los contratos al grupo de la familia, se queda con el dinero destinado a Buenos Aires.






El padre, don Jorge ,pierde el contacto con su esposa, doña Marcela, y va a visitarla; cuando llega a la capital Federal, se entera que ella ha muerto por una enfermedad, agravada por la malnutrición. Don Jorge regresa a Santos, Brasil, pero la tristeza, sumada a la rabia por Figueroa, el empresario culpable de robarle los envíos de dinero a su fallecida mujer, le sumen en una depresión profunda. Durante un viaje en tranvía, al pasar por un puente, se suicida saltando al vacío.

A los 12 años de edad, Oscar se encuentra huérfano y abandonado por sus hermanos, que se buscan la vida cada uno como puede, los hermanos pequeños que vivían con su madre, son internados en un orfelinato, con el apellido de esta.

Nuestro querido guitarrista, se convierte en un niño de la calle, en Santos, tratando de ganar monedas con los trabajos antes descritos, comiendo gracias a la caridad. Lo poco que gana lo ahorra para comprar un cavaquinho que ha visto en el escaparate de un luthier, como si supiese que esa era su vía de futuro.

Ahorra moneda a moneda, y va pagando por el instrumento, en anticipo; pero antes de completar el pago, el luthier fallece, para desolación de Oscar, sin embargo, la viuda cumple una voluntad del artesano, que no es otra que entregar el instrumento a Oscarcinho, con su mejor estuche.

En algún momento de esta época comienza a trabajar en tabernas, hasta que conoce a un guitarrista brasileño llamado Gastón Bueno Lobo, que le aconseja que para progresar, debe cambiar el instrumento de 4 cuerdas por el de 6, así que le obsequia una guitarra, a la que Oscar se acostumbra rápidamente; allá por 1925 forman un dúo, deciden llamarse “Les Loups” (Los lobos) e interpretan todo tipo de géneros, entre ellos el tango. Hacen su debut en Río de Janeiro, en 1926.

26/3/19

Setlist Helper, la aplicación que te ayuda a gestionar tu repertorio.


Si andabas buscando una utilidad para gestionar tu o tus repertorios estás de enhorabuena; Setlist Helper funciona en IOS, Android o en un navegador, puede sincronizarse entre ambos y compartir canciones entre usuarios.
En el siguiente vídeo muestro las operaciones más sencillas cuando lo manejas desde el navegador:






Cause we've ended as lovers.

Stevie Wonder presents Syreeta.


El tema que nos ocupa es uno de los instrumentales más conocidos en el repertorio del guitarrista Jeff Beck, lo que no todo el mundo sabe es que la composición original es de Stevie Wonder quien compuso esta canción para una estrella del sello Motown Syreeta Wright, con la que tuvo un breve matrimonio en el momento en el que escribió esta y otras canciones en el segundo LP de Syreeta publicado en 1974 bajo el nombre "Stevie Wonder presents Syreeta";  el disco en su totalidad estaba lleno de temas escritos por el matrimonio, cuya vida conyugal apenas duró año y medio.
En aquel disco dejaron esta maravillosa canción:




En 1975 Jeff Beck publicaría el disco "Blow by Blow" el primero después de disolver al Jeff Beck Group, en ella incluye una versión de "Cause we've ended as lovers" dedicada al guitarrista Roy Buchanan y, en las anotaciones del disco también le da las gracias a Stevie, que se disculpaba por haber publicado antes el tema Superstition.
Jeff sigue tocándolo en directo y sigue sonando mágico como en esta versión:


25/3/19

Grady Martin: Sonido de Rock&Roll.


Grady Martin.
























Entre los años 50 y 60, hubo un legendario grupo de músicos que era conocido como “The Nashville A-Team”, es decir, el equipo A de Nashville; Encargados de hacer el trabajo sucio en las grabaciones de los artistas conocidos, otros ponían la cara y ellos el talento.

Dentro de este grupo hay un guitarrista que dejó huella, apenas conocido fuera de los círculos especializados, él es Grady Martin.

Nacido el 17 de enero de 1929 en un pequeño condado perteneciente a Tennessee, y siendo el menor de 4 hermanos, en una familia pobre de granjeros, dejó los estudios a los 15 años para ir a tocar a un programa de radio en Nashville.

Debido a su facilidad para improvisar y su versatilidad, pronto estuvo actuando varias veces en el "Grand Old Opry" y apareciendo en programas de televisión como "The Ozark Jubilee".

En 1950 ya formaba parte de la escena de músicos de estudio de Nashville, cuna de la música country, participó en uno de los mayores éxitos de ese año “Chattanoogie Shoe Shine Boy" de Red Foley, junto al cual también grabó otro gran éxito de 1950 "Birmingham Bounce”, una excelente tarjeta de presentación que hizo que el sello Decca se fijase en nuestro hombre, ofreciendo un contrato a Grady y su banda en 1951, firmaron como "Grady Martin and the Slew Foot Five", con la que no tuvo éxito, aunque trabajo nunca le faltó.





Siguió acompañando a otros artistas en el estudio, como al popular Bing Crosby o Patsy Cline, en los ratos libres, trabajaba en su banda, ahora denominada "Grady Martin and his Winging Strings".

22/3/19

Suzy Quatro: Cuero negro y glam.

Suzy Quatro
























Para quienes vivimos nuestra infancia entre los años 70 y los 80 era común pasar parte del tiempo en los salones recreativos, estirando al máximo el poco dinero que tuviésemos en el futbolín o los videojuegos más básicos, rodeados de humo, cáscaras de pipas y adolescentes flirteando entre sí. En aquel contexto hubo un tiempo en el que la música que prevalecía era el glam y sonidos derivados, aunque por una emisora de radio española setentera la mezcla de estilos era dispar hasta la incongruencia.
Entre referentes nacionales quinquis, ropa vaquera y zapatillas deportivas de marca nacional sonaba una punk rocker americana que además de componer y cantar tocaba el bajo y transmitía una imagen rompedora que conquistó al público joven de la época.

Su carrera tuve mayor repercusión en Europa y Australia que en su propio hogar americano, en Detroit; su padre era de origen italiano, pero los agentes de inmigración recortaron el apellido Quattrocchi a Quatro, y su madre era húngara, en el hogar Suzy cohabitó con 3 hermanas (una de la cual, Arlene, es madre de la actriz Sherilyn Fenn), un hermano y una hermanastra.

Las primeras influencias musicales de Suzy llegan a sus 6 años a través de la música de Elvis Presley, cuando le ve actuar en televisión, poco más tarde recibe clases de piano clásico, percusión y unos años después aprenderá de manera autodidacta a tocar la guitarra y el bajo, pero con 7 años Suzy toca la percusión en el grupo de jazz de su padre, The Art Quatro Trio.

En 1964 hecho su padre le regalará un bajo Fender Precission que estrenará pronto en la nueva banda de su hermana mayor Patti Quatro (que a mediados de los 70 se incorporó a la banda femenina Fanny), que había decidido formar una banda femenina de garaje a la cual llamará The Pleasure Seekers y para la cual adoptará el nombre de Patti Pleasure, Suzy cantará además de tocar el bajo y su seudónimo será Suzy Soul, además les acompañará la pianista del Art Quatro Trio, Diana Baker, la guitarrista Mary Lou Ball y la batería Nancy Ball; con esta primera formación debutan en el club The Hideout de Detroit; precisamente en Hideout records realizarán su primera grabación en 1965, un single con las canciones “Never Thought You'd Leave Me" y "What a Way to Die" posteriormente se realizaron diferentes cambios de músicas, en uno de ellos, en primavera de 1966, fue Arlene Quatro quien pasó a hacerse cargo del piano.


20/3/19

Sister Rosetta: Llenando estadios.

Sister Rosetta

 













Nos habíamos quedado en el momento en que se anuncia mediante notas de prensa la separación del popular dúo de gospel que formaba Rosetta Tharpe con Marie Knight, esta última afectada por la tragedia de la muerte de sus hijos pequeños y su madre en un incendio, unido al cansancio de las giras, decide emprender su propio camino en solitario.
Rosetta también llevaba una vida agotadora, por ello había adquirido su casa en Virginia, para convivir junto a su madre y Marie, y es en esta casa en la que forjó su imagen de cantante de gospel respetable y mujer doméstica, que le ayudó a sobrellevar unos tiempos en los que la sociedad americana se volvió más conservadora.

En esta época grabó junto un grupo vocal de gospel, con una forma de armonizar muy particular, calificada como “jubilee”, The Dependable Boys, más tarde incorporó al joven grupo femenino The Twilight Female Gospel Singers a su espectáculo, renombrándolas cómo The Angelics Queen Choir, que fue el grupo que le respaldó vocalmente durante sus giras en 1949.
En Philadelphia un grupo reclamó la pertenencia del nombre The Angelics Queen Choir así que Rosetta nombró al grupo vocal cómo las Rosettes para finales de 1949, justo a tiempo para un concierto en el que coincidieron con The Jordonairs, más tarde renombrados a The Jordanaires y que serían conocidos cómo grupo vocal que acompañaría a Elvis Presley. The Jordonairs acompañarían a Tharpe en conciertos por Tennessee y Arkansas.

11/3/19

Johnny Guitar Watson - Los inicios.

Johnny Guitar Watson
























Johnny “Guitar” Watson fue un magnífico guitarrista de blues y de funk, que inspiró a un buen montón de artistas legendarios. Al principio desarrolló un estilo agresivo, utilizando el feedback de su guitarra musicalmente, tal y como hizo posteriormente Jimmy Hendrix, pero no le dejaron desarrollar esta técnica en el estudio, por ser demasiado extravagante para la época.

Nacido en Houston (Texas), su padre le enseñó a tocar el piano, instrumento en el que hizo sus pinitos, pero el que le hizo popular fue, como se deduce de su apelativo, la guitarra, que por cierto le facilitó su abuelo, un predicador que le enseñó a dar los primeros pasos con este instrumento, a condición de no tocar la música del diablo, promesa que, afortunadamente, no fue cumplida.

Sus mayores influencias eran T- Bone Walker y Clarence “Gatemouth” Brown, del cual imitó la forma agresiva de tocar sin púa, aunque llevada a tal extremo que era raro el concierto en que no se cargaba, al menos, una cuerda.

A partir de los años 50, tras el divorcio de sus padres, se marcha a vivir con su madre, a la costa oeste de los U.S.A., en concreto a Los Angeles, donde dada su versatilidad, pronto toca en bandas de figuras del Rhythm and Blues, como Chuck Higgins o Amos Milburn.

Su nombre de guerra por aquel entonces era Young John Watson, y con él, a los 17 años, registra su primera grabación en el sello Federal, sentado al piano y acompañado por la banda de Chuck Higgins, registra el tema “Motorhead baby”. Un año después graba el tema “Space Guitar”, con un sonido rompedor para ese 1953, una guitarra con un sonido agresivo, cargada de reverberación y haciendo “shredding”, nada perteneciente a aquel mundo.



En 1954, después de ver el Western “Johnny Guitar”, toma su apelativo de ahí, apodo que utilizó también en una canción llamada así “Johnny Guitar”, que grabó en 1960, y de la cual Johnny Winter hizo una versión décadas mas tarde. Pero seguimos en el año en el que cambió su nombre artístico, el 54, en el cual, durante el verano, se expiró su contrato discográfico, que no fue renovado. Firma con uno de los sellos mas populares de R&B: Modern Records, durante los 2 años que permanece en el sello, estos publican sus trabajos en el subsidiario R.P.M.; Joyas como “Too Tired” “Don´t touch me” o una exitosa versión de una canción de Earl King “Those lonely, lonely nights” que pega fuerte en las listas de R&B de 1955.



Colabora con artistas de Modern, como Little Richard o Don & Dewey y cede una composición suya “Love Bandit” a los Cadets, un grupo de R&B vocal con los que comparte sello; poco después, en la siguiente discográfica por la que pasa, retoma esta composición, retocándola y cambiando su nombre a “Gangster of love”, una de sus canciones mas populares, aunque no tuvo repercusión comercial en su época. Por entonces estaba grabando en Keen Records, y después permaneció dos años grabando magníficas canciones que pasaron desapercibidas, publicadas en diferentes compañías.

7/3/19

Caterina Valente, talento todoterreno en 12 idiomas.

Caterina Valente.



















Caterina Valente durante muchos años dejó muestras de un inmenso talento artístico, como guitarrista, cantante, bailarina o actriz, habla seis idiomas llegó a grabar y publicar más de 1500 canciones en 12 lenguajes y vendió más de 18 millones de discos en todo el mundo.



Nació en París y creció en Francia, aunque sus orígenes eran italianos, su madre Maria Valente era una actriz de comedia musical y su padre tocaba el acordeón, con 5 años debutó en un teatro de Stuttgart, junto a su familia.

A principios de los años 50 conoce a Erik, un malabarista alemán, con el que tendría a su hijo -el cantante Eric Van Aro-; Erik y Caterina se casaron en 1952, ella trabajó como asistente de su marido, posteriormente él se convirtió en su mánager.
Con el pasaporte alemán, y este país como base de operaciones en 1953 aparece como cantante en el circo Grock, además de realizar pruebas para Radio Zurich y aparecer como artista invitada en la Kurt Edelhagen orchestra.

4/3/19

Roy Lanham, un píonero del jazz y el country.


Roy Lanham
























Roy Lanham fue un guitarrista conocido en círculos especializados, muy reputado en su tiempo, pero olvidado, de hecho no tiene ni entrada en la Wikipedia.

Lideró a los Whippoorwills, hizo grabaciones instrumentales en solitario, donde predominaba el jazz y el country, pero su popularidad es debida, sobretodo, al periodo que va de 1961 a 1986, como guitarrista de The sons of the pioneers.


Nació el 16 de enero de 1923 en una ciudad cercana a Kentucky llamada Corbin; Desde pequeño se interesó por la guitarra, hizo sus primeros pinitos con la acústica de su hermano y con 8 años consiguió una archtop Cromwell, aprendiendo influenciado por Harry C. Adams.

En su adolescencia encontró trabajo en la radio, primero en 1939 contratado como guitarra rítmica para Grandpappy And His Gang, luego formando parte de los Stringdusters, un grupo que trataba de emular el sonido de Django Reinhardt y su quinteto, que también era una de las inspiraciones de Roy. Un año después, cuando  se disolvieron -debido a otros compromisos adquiridos-, Lanham formó un grupo de similares características: Los Fidgety Four.

Su grupo, como muchos de la época, trabajaba en la radio, en ocasiones arropando a cantantes solistas, uno de ellos fue el popular Gene Austin, quien los utilizó como banda de acompañamiento en bastantes ocasiones, hizo que cambiasen el nombre a Whippoorwills, pues era una palabra que se encontraba en la primera línea de uno de sus mayores éxitos “My Blue Heaven”.

28/2/19

Carol Kaye, la leyenda del bajo.

Carol Kaye
Probablemente Carol Kaye no es alguien que haya sido vista muchas veces en un escenario, tocando en directo, sin embargo es una de las más reputadas músicas de sesión de la historia, comenzando con la guitarra en grabaciones tan míticas como la de “La Bamba” de Ritchie Valens o en clásicos de Sam Cooke en los años 50, pero aún mucho mejor a partir de la siguiente década cuando pasó al bajo, siendo parte integrante de esos legendarios músicos de sesión apodados The Wrecking Crew. Seguramente os suenen líneas de bajo tan conocidas como las de “Good vibrations” de los Beach Boys o “These boots are made for walkin’” de Nancy Sinatra, por poner dos ejemplos ¿Verdad? ¡Carol estuvo allí! Conozcamos algo más de ella.








Nació en la localidad de Everett, en Washingtong, en un entorno familiar bastante musical, tanto su madre como su padre se dedicaban a la música,por lo que no es de extrañar que a los 14 años Carol se emplease a tiempo completo en la guitarra, dando clases particulares pero principalmente como guitarrista de jazz en el circuito de clubs nocturnos de Los Angeles con diversas bandas, incluida la de Bob Neal.

Comenzó a trabajar en los estudios de grabación de Hollywood de casualidad, a partir de 1957, después de que el productor Robert "Bumps" Blackwell, tras una actuación, le invitase a participar en las sesiones de grabación de “Summertime” para Sam Cooke, después grabó la guitarra rítmica en “La Bamba” de Ritchie Valens y en estos estudios, Gold Star, junto al productor Phil Spector, participó en grabaciones de The Crystals, Bob B.Sox & The Blue Jeans o The Righteus Brothers, entre otros, lo que atrajo el interés de otros productores y músicos, como Brian Wilson.




En el año 1963, en una sesión para Capitol records en que el bajista no apareció fue ella quién cogió el bajo eléctrico y desde ese momento se convirtió en una de las primeras opciones para productores, llegando a participar en cerca de 10.000 sesiones, incluidas bandas sonoras para cine, televisión o anuncios, especialmente con Quincy Jones que siempre ha tenido palabras de admiración hacia su trabajo. Carol descubrió que le gustaba más grabar con el bajo que con la guitarra, ya que se le permitía ser más creativa, además no tenía que acarrear con 3 o 4 guitarras en cada sesión para ver cual se adaptaba más a los gustos del director musical.
Era muy poco frecuente ver una mujer trabajando como música de sesión, sin embargo Carol Kaye dice que se sintió siempre parte del grupo, unidos por la música y con buen humor.
También fue de las primeras en grabar una guitarra de 12 cuerdas, en varias canciones de Sonny & Cher y en el disco “Freak Out” de Frank Zappa.

Con The Wreckin Crew (nombre que se le dio posteriormente a una serie de músicos de sesión de L.A. respecto a los cuales se hizo un documental con el mismo nombre en el 2008)realizó la mayoría de las grabaciones, para artistas como Frank Sinatra, Barbra Streisandt, Stevie Wonder, Simon&Garfunkel, Nancy Sinatra, The Temptations y una lista larguísima, en el documental ella dice que en su pico de trabajo cree que ganaba más dinero que el presidente.




Fue en 1969 cuando publicó su primer método didáctico para tocar el bajo eléctrico “Cómo tocar el bajo eléctrico”, hasta ese momento el bajo eléctrico era nombrado como el bajo Fender, se podría decir que su libro ayudó a nombrarlo como simplemente bajo eléctrico; en los 70 tuvo un periodo de menos actividad, cansada y desencantada con el trabajo en el estudio se centró más en la enseñanza y las sesiones para bandas sonoras, incluso llegó a ir de gira con Joe Pass y Hampton Hawes, la actividad fue a menos después de 1976, tras un accidente automovilístico en el que estuvo implicada.



Volvimos a tener noticias de Carol en 1981 cuando grabó en el disco “Shades” de J.J. Cale y más de una década después, en 1994, debido a las secuelas del accidente es operada y finalmente vuelve a tocar y grabar, incluso colabora con Fender para diseñar un modelo de bajo eléctrico más ligero y fácil de tocar.
Vuelve a colaborar con Brian Wilson en la grabación de “The Wilsons” junto a la hija de éste y ya en el 2006 graba con Frank Black en “Fast man raider man”.

Carol Kaye suele tocar el bajo con púa, casi siempre un Fender Precission con cuerdas de entorchado plano y a través de amplificadores de guitarra como el Fender Super Reverb y el Versatone Pan-O-Flex; También pone un trozo de fieltro entre las cuerdas, al final del puente para realzar el sonido y reducir subtonos no deseados.

En su página web https://www.carolkaye.com/ se puede acceder, entre otras cosas, a la tienda online en la que adquirir clases en linea, impartidas por Carol a través de Skype, así como cualquiera de sus métodos publicados, su autobiografía o algo de música.


24/2/19

Paul Collins, rey del powerpop.


Paul Collins




















Paul Collins nació en New York en 1956, aunque debido al trabajo de su padre en el ejercito (pese a que no era militar) vivió en diferentes lugares del mundo, hasta que se asentaron en Manhasett —una localidad de Long Island—.

Después del instituto comenzó a estudiar composición en la escuela de artes escénicas Julliard, situada en la Gran Manzana, aunque no pasaría demasiado tiempo hasta que se mudase a California; Allí, en la costa Oeste, en 1974 congenia con Jack Lee y Peter Case, con los que poco después forma la banda The Nerves, pionera del llamado power pop, en la que Collins toca la batería.

Los tres miembros aportan composiciones propias en esta formación, que estuvo activa entre 1975 y 1978, dejando para la posteridad un E.P. publicado en 1976, que incluía la canción "Hanging on the Telephone”, que poco después popularizó Blondie en las listas de éxitos.


 

Jack Lee fue el primero en dejar el grupo, así que Peter y Paul siguieron trabajando junto a otros guitarristas bajo el nombre de The Breakaways.

El siguiente gran paso para Collins fue la fundación de The Beat, grupo que forma en 1979 reclutando a miembros de diferentes bandas. Rápidamente son fichados por Bill Graham, un peso pesado de la industria musical, lo que les lleva a firmar un contrato prometedor con el sello Columbia, donde graban su disco de debut el mismo año de su formación, trabajo que se llama igual que el grupo, simplemente "The Beat". La banda vive entre Los Angeles y San Francisco, donde hacen sus primeros ensayos. El disco es excelente, las críticas son buenas pero las emisoras de radio no están abiertas al estilo del grupo, al menos no por el momento.

Gracias al hecho de estar en una gran multinacional disfrutan de las mejores condiciones en sus conciertos; van de gira por los Estados Unidos junto a The Jam, y por Europa acompañando a bandas como The Specials o The Police.

22/2/19

Viola Smith una de las primeras bateristas profesionales.



La legendaria Viola Smith que empezó a tocar en bandas en los años 20 aún está en activo, recién cumplidos 106 años milita en una banda de la localidad americana de Costa Mesa llamada Forever Young Band: America’s Oldest Act of Professional Entertainers.


Viola Smith 106 años.


En su día fue una de las primeras mujeres en tocar la batería de forma profesional, el secreto de su longevidad, según ella, es la actividad física que requiere el instrumento y beber vino con moderación.
Creció junto a 7 hermanas y 2 hermanos, cerca de Wisconsin, todos aprendieron a tocar el piano y su padre tenía pensado montar una orquesta solamente con las hermanas, la Schmitz Sisters Family Orchestra, posteriormente acortado a Smith Sisters Orchestra, que funcionó por el área de Wisconsin, en el circuito de teatros y cines durante los años 20 en periodos de vacaciones escolares, dado que las hermanas aún iban al colegio.
En 1938 Viola y Mildred, que tocaba el saxo y el clarinee, fundaron las Coquettes, una orquesta compuesta solo por mujeres que estuvo activa hasta 1942, año en que nuestra protagonista se casó y mudó a New York, allí estudió en Juilliard y se unió a otra orquesta femenina que funcionaba bastante bien a nivel comercial, la  Phil Spitalny's Hour of Charm Orchestra allí permaneció hasta su disolución en 1954, posteriormente trabajaría con la orquesta sinfónica de la NBC, tocó con Chick Webb y Ella Fitzgerald, también con  Frank Sinatra en varias ocasiones además de formar su propia banda Viola and her Seventeen Drums.

 

  
En los años 40 la anunciaban con reclamos como "La batería femenina más rápida de América"  sin embargo estar en una banda femenina en esa época era considerado un trabajo temporal, mientras los hombres estaban en la segunda guerra mundial ellas estaban haciendo una sustitución patriótica para entretener a los soldados.

Viola Smith escribió en 1941 para Down Beatmagazine un artículo llamado "Denle a las chicas un respiro" en el que escribía acerca de las mujeres podían tocar igual de bien que los hombres y que en esos tiempos de emergencia nacional en los que muchos músicos de las grandes bandas estaban siendo reclutados sería mejor que fuesen sustituidos por mujeres que tocaban bien que por otros músicos mediocres.


Recorte de prensa reivindicación de Viola Smith.



Trabajó en la representación del musical de Broadway de Cabaret, entre 1966 y 1970 con  Kit Kat Band.
Cuenta con orgullo haber tocado para la investidura del presidente Harry Truman, en 1949 y ha aparecido en 2 películas "When Johnny Comes Marching Home" y "Here come the co-Eds" con Abbot y Costello.
En su día rechazó una oferta de Woody Herman, prefirió continuar con las Coquettes.

Una de sus particularidades  es su distintivo set de batería, en el que usa 12 timbales, añadiendo timbales extra a izquierda y derecha, ha aparecido en numerosas ocasiones en catálogos de la marca Ludwig.


WFL Drums Viola Smith.




21/2/19

Teddy Bunn, estrella de la guitarra de los años 30.

Teddy Bunn














Teddy Bunn fue un guitarrista bastante popular en la década de los años 30, se desenvolvía en el blues y el zazz, y participó en grabaciones de músicos importantes de ambos géneros. Teddy reconocía que, al principio, no sabía leer música y que era la intuición la que hacía que supiese cual sería la siguiente nota que iba a sonar, excepto cuando metía bien la pata, según sus propias palabras.

Pocos datos tenemos de su infancia y desarrollo, salvo que nació y se crió en Freeport, Long Island, no lejos de Manhattan, en una familia donde la música estaba muy presente.
Las referencias biográficas suelen empezar en 1929, a sus 20 años, en el momento en que realiza unas grabaciones con la Duke Ellington's Cotton Club Orchestra, además de entrar en el estudio el mismo día con el pianista Walter "Fats" Pichon y el trompetista Henry "Red" Allen.




Poco después participó junto a algunos miembros de la orquesta de Ellington en una grabación en la que se hacían llamar The Six Jolly Jesters; en aquel momento, Bunn estaba trabajando como músico de sesión, en pleno nacimiento de la “Gran depresión”, y colaboró con grandes del espectáculo, como Fats Waller, James P. Johnson y King Oliver, entre otros.


18/2/19

Fanny, una gran banda que desapareció sin dejar rastro.

Fanny

























David Bowie dijo de Fanny “Una de las bandas femeninas más importantes del rock americano ha sido enterrada sin dejar rastro. Y esa es Fanny. Era una de las mejores bandas de rock de su tiempo, alrededor de 1973. Eran extraordinarias... tan importantes como cualquier otra persona que lo haya sido, nunca; simplemente no era su momento”.

Y así es, otros grupos compuestos únicamente por mujeres ya se habían formado en los años 60, por ejemplo The Continental Co-ets,The Ace Cups, Goldie & the Gingerbreads o The Pleasure Seekers y algunos otros se crearon también durante la segunda mitad de la década; Fanny estuvieron entre las pioneras, de hecho fue el tercer grupo de rock cuyos miembros eran del género femenino que firmó un contrato con un gran sello discográfico.

El origen del grupo parte de las hermanas de origen filipino June y Jean Millington, cuya familia se mudo de Filipinas a Sacramento, en California, lugar en el que ellas formaron su primer grupo, compuesto solamente por chicas, en el instituto, grupo llamado The Svelts, después de disolverse este pasaron a otro llamado Wild Honey con el que cambiaron su zona de actuación a L.A., allí frustradas por lo difícil que era hacerse un hueco en un panorama, en pleno 1969, dominado por hombres, deciden que van a romper la formación, pero en esa actuación llaman la atención de la secretaria del productor Richard Perry, que precisamente está buscando bandas femeninas a las que representar.

12/2/19

Jimmy Nolen: Píonero del funk.


Jimmy Nolen

























Jimmy Nolen (3 de abril de 1934 – 18 de diciembre de 1983), es un nombre para muchos desconocido, sin embargo tiene una buena colección de riffs que algunos hemos celebrado, ya que fue durante bastantes años el guitarrista de la banda de James Brown, es decir, que fue pilar y fundador del sonido funk en la guitarra con lo que se ha llamado el “chicken scratch”, que es ese rasgueo rítmico “muteando” (silenciando) las cuerdas en patrones de semicorchea sobre acordes de sexta o novena.
 
Original de Oklahoma, su primer acercamiento a la música fue un violín, a la tierna edad de 9 años, 5 años después ya estaba aporreando la guitarra, tratando de emular a T-Bone Walker.
Jimmy Wilson, que tuvo cierto éxito con un tema llamado “Tin Pan Alley” en 1953, le ofreció trabajo en su banda, por lo que tuvo que mudarse a Los Angeles, donde trabajó en sesiones de otros artistas como Monte Easter en el sello Aladdin, o el conocido saxofonista Chuck Higgins en el sello Dootone.



En 1955 graba su primer single "Slow Freight Back Home" y "Let´s Try It Again", estrenandose en la cara B como vocalista, fue en el sello Elko y no tuvo mucha trascendencia, como tampoco el siguiente single, "Strangest Blues / I Used To Love A Woman" editado bajo su nombre, aunque al parecer la grabación debería atribuirse a Jimmy Wilson.
Entre 1956 y 1957 grabó 5 singles para el sello Federal, donde se vislumbraba su talento guitarrístico, tampoco lo hacía mal como compositor o cantante, aún así los singles pasaron bastante desapercibidos.



 En 1957, pasó a formar parte del Johnny Otis Show, había grabado dos canciones anteriormente en Dig, el sello de Otis, pero no vieron la luz hasta unas cuantas décadas mas tarde. Permaneció durante 2 años en el grupo, tocando todos los clásicos con su peculiar sentido rítmico, y después grabó un single en el 59 en el sello Fidelity. A continuación pasó a formar su propia banda, la Jimmy Nolen Band.

7/2/19

Mary Kaye, la primera dama del Rock&Roll.


The Mary Kaye Trio.
























A Mary Kaye le prestaron una Fender Stratocaster rubia (blonde) Mary Kaye, con los herrajes dorados, para hacer fotos promocionales, pero tuvo que devolverla. De nuevo se la prestaron para la película de 1956 Cha-cha-cha Boom! Pero nunca tuvo una de estas guitarras con su nombre, hasta que el fabricante, Fender, subsanó el error en el año 2002 y le regaló una similar, fabricada en la Custom Shop de la marca, el modelo “The White Beauty”.